Céline Magnéché: “Los cuentos ayudan a auto-realizarse”

Céline Magnéché Ndé Sika (Camerún, 1967), profesora de Lengua y Literatura Española y Africana en la Universidad de Dschang, Licenciada en Lengua y Literatura y Doctora en Filología Hispánica por la Universidad de Zaragoza, acababa de editar, ¿Verdad que esto ocurrió? Cuentos orales africanos, publicado en la editorial Páginas de Espuma. Emilia Lanzas la entrevistó.


Los cuentos pertenecen a la cultura de los bánsoa. ¿Quiénes son y por qué su literatura posee la suficiente importancia como para que se haya recopilado?

Es mi pueblo y los conozco muy bien, y pienso que siempre se ha de escribir sobre aquello que se domina. Me he centrado en ellos porque la literatura oral camerunesa es un campo excesivamente extenso. Los bánsoas son una comunidad que pertenece al grupo bantú, originario del Sudán. Actualmente, la comunidad está formada por unas 35.000 personas que viven en la región de las altas mesetas del oeste de Camerún. Son agricultores y poseen fuertes tradiciones seculares en las que se apoyan. Entre estas tradiciones está su folclore literario.

¿Cuál ha sido el método para reunir y registrar los cuentos recogidos en el libro?

Este libro constituye lo esencial de mi tésis que leí en la Universidad de Zaragoza y, fundamentalmente, está basado en el trabajo de terreno, que entonces hice viviendo íntimamente con los bánsoas. Me reunía en las cabañas con ellos y los grababa mientras contaban los cuentos; labor que realizan por las noches, que es cuando descansan y cuando, además, los muertos vuelven para compartir sus experiencias con los vivos.

He tratado de ser lo más fiel posible a las historias y a su forma de narrar. Sólo he quitado interjecciones o repeticiones, para que resultaran más literarios. Las ilustraciones que acompañan los cuentos han sido hechas por mis alumnos, que se inspiraron en las historias.

En la mayoría de estos cuentos, los personajes son animales y sus desenlaces conllevan una moraleja. En este sentido, ¿se encuentran asociados a las fábulas esópicas, en cuanto a su intención exhortativa?

La función principal de estos cuentos es la de divertir; pero también la de formar e informar. Lo cuentos transmiten valores y costumbres, lo que está permitido y lo que no, y la función específica de cada uno de los miembros de la comunidad.
En este sentido, sí tratan de persuadir para que no se realicen determinados actos inconvenientes como, por ejemplo, la vanidad excesiva, narrado en el cuento de la tortuga que quería ser más inteligente que Dios. O el egoísmo, que se condena enérgicamente en la mayoría de los relatos. Para los bánsoas, el grupo es muy importante, muy fuerte, todo depende de su cohesión y buen funcionamiento, de la unidad y la cooperación mutua, por lo que se denigra el egoísmo o cualquier tipo de acto individual en contra del grupo.

Pienso que conviene conservar lo positivo de la tradición, y eliminar lo que supone de antiprogreso. Los cuentos ayudan a los bánsoas a auto-realizarse.

Hay mucho de historia, de identidad tribal en estos cuentos. ¿Cuáles son los temas predominantes y por qué?

Los temas más repetidos son la defensa de la familia, la muerte, la boda (para los bánsoa una persona no posee la completa identidad hasta que no se casa y tiene un hijo). Y también el trabajo y la responsabilidad: hay que eliminar la idea predominante en las sociedades modernas de dejadez, de vagancia, de irresponsabilidad.

Como ya indiqué, aunque la función principal de estos cuentos es la de divertir; también sirven para formar, sobre todo a las nuevas generaciones y para establecer los límites y las reglas. Son cuentos morales, de transmisión de valores, como el trabajo y la perseverancia, de creencias, de representaciones…

Los cuentos, aunque de prosa clara y directa, utilizan también recursos estilísticos del cuento literario… Supongo que, al transmitirse oralmente, éstos cambiarán según las aptitudes y preferencias de quien los cuenta.

Las mujeres, que son las principales narradoras de estos cuentos, intentan ser muy fieles a las historias originales aunque, a veces, las adaptan a problemas concretos y actuales. Además, el público corrige constantemente porque recuerdan la historia tal y como es.

La repetición es el principal recurso utilizado, algo fundamental en un cuento narrado oralmente.

¿Cuál es la situación actual de Camerún?

La situación es de gran pobreza y atraso, especialmente en las zonas rurales.
Soy presidenta de la ONG Affamir (Asociación para el bienestar de la Mujer y de las Familias Rurales). La mujer en Camerún no tiene ningún tipo de derecho, no puede decidir nada, la consideran un ser inferior, menor. Affamir trata de capacitarla para ejercer una profesión y llevar una vida más digna.

Francisco Calvo Serraller

Por Emilia Lanzas

“Dalí tuvo un gran éxito popular, y el éxito popular es siempre merecido, en él y en cualquiera”

Francisco Calvo Serraller es catedrático de Historia de Arte Contemporáneo, en la Universidad Complutense de Madrid. Es miembro de número de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando y ha sido Director del Museo del Prado; también es crítico de arte en distintos medios especializados; desde 1995 aparecen todos los sábados sus columnas en el suplemento cultural de El País, Babelia. El estudio del arte español contemporáneo ha centrado una buena parte de su trabajo como historiador y como investigador: Pintores españoles entre dos fines de siglo (1880-1990). De Eduardo Rosales a Miquel Barceló, España, medio siglo de arte de vanguardia y Del futuro al pasado. Vanguardia y tradición en el arte español contemporáneo. Otras obras suyas son Arte y Arquitectura del siglo XIX, Las Meninas de Velázquez y Libertad de exposición. Una historia de arte diferente y El arte contemporáneo.

¿Qué piensas de la polémica suscitada por la posible Exposición de Miquel Barceló, en el Museo del Prado?
Prefiero no hacer ningún tipo de comentario, porque es un rumor y no me parece legítimo comentar un rumor. El Museo del Prado es una institución muy respetable y no ha realizado, que yo sepa, ningún tipo de manifestación respecto a la supuesta Exposición de Barceló. Por eso, me parece poco serio comentar esta noticia. En mi opinión, es un chisme.

¿Cuál es tu opinión sobre la identificación, en los fondos escondidos del Museo del Prado, de dos dibujos de Miguel Ángel, realizada por los investigadores británicos Nicholas Turner y Paul Joannides?
Me parece una buenísima noticia para el Museo, no sólo porque sean de Miguel Ángel sino, sobre todo, porque se trata de dos dibujos previos para pintar El Juicio Final de la Capilla Sixtina del Vaticano.

Referente a los fondos “escondidos”, ¿qué hay de verdad en cuanto a la leyenda del Prado oculto?
El Museo del Prado, como todos los grandes museos del mundo de su misma categoría, tiene una parte muy importante de sus fondos que no están a la vista del público como, por ejemplo, la mayoría de dibujos que son muy vulnerables para que sean expuestos de forma permanente; aunque sí se exhibe lo que se supone más interesante para el público en general y lo que tiene mayor calidad y gran interés histórico.
La leyenda del Prado oculto, se ha creado porque este museo tenía disperso en múltiples organismos de las Comunidades Autónomas, una parte muy importante de su patrimonio, la mayoría en Museos Provinciales. Hace unos treinta años se creó una Comisión que estableció la situación exacta de estos depósitos, y se procedió a su restauración e investigación. Pero no hay nada de depósitos ocultos, ni piezas extrañas, ni cámaras escondidas, ni sótanos misteriosos aunque no todos los fondos que posee el Museo del Prado, evidentemente, estén visibles al público.

Si al arte actual ya no le define la belleza, ¿cuál es entonces su búsqueda, su identidad?

Desde los griegos hasta el XVIII, el arte estaba definido por la búsqueda de la belleza, después el arte ya no tuvo definición. En el arte contemporáneo no hay restricciones, no hay canones, no existe un significado explícito de la obra de arte, no hay límites. Es una idea ya formulada por los teóricos de finales del siglo XVIII, en cuanto a que la identidad de la pintura ya no estaba en la belleza sino en la libertad, aunque esto no suponga, evidentemente, excluir el concepto de belleza en el arte. En la época contemporánea, por ejemplo, el artista ya está legitimado para pintar, incluso, la fealdad, como es el caso especial de las Pinturas Negras de Goya, que pueden comportar muchos valores, que son obras de arte sin duda, pero que no son pinturas bellas, sino monstruosas; tienen un aspecto horripilante.
Aunque, el hecho de que el arte contemporáneo no tenga un canon no significa, naturalmente, que sea arbitrario.

¿Fue ésa una de las razones por las que Goya es considerado un pionero del arte contemporáneo?
Goya, en primer lugar pero junto con otros grandes artistas como el francés Jacques-Louis David, maduraron en la última década del XVIII, la transformación del gusto, la revolución que inicia la nueva senda del arte. La obra de Goya no sólo adelantó el posterior Romanticismo, sino que iluminó el arte y la conciencia de toda nuestra época contemporánea con obras como los Desastres de la Guerra, la Tauromaquia, los Disparates o Los fusilamientos de la Moncloa, pintura esta última que supuso la proclamación de la victoria moral de los vencidos. Y, además, las Pinturas negras, que influyeron de forma decisiva en las sucesivas vanguardias artísticas que se fueron desarrollando con posterioridad en toda Europa.

Actualmente, ¿en arte vale todo lo que se vende? ¿Cómo ha influido la sociedad consumista en el arte?
Habría que repetir la famosísima frase de Antonio Machado: “Sólo el necio, confunde valor y precio”. Lo que se vende es, simplemente, lo que la gente está dispuesta a pagar, y eso supone un valor económico; pero hay otros valores.

En su libro, Pintores españoles entre dos fines de siglo (1880-1990). De Eduardo Rosales a Miquel Barceló, dice que al comenzar la época contemporánea, se pierde la cohesión tradicional que había configurado el gusto artístico de la Escuela Española, surgiendo la individualidades, ¿cuáles son a tu juicio los grandes nombres que marcan el arte español contemporáneo?
Estos nombres no los digo yo, sino que son reconocidos mundialmente. Todos los críticos e historiadores de arte, coinciden en valorar a determinados pintores españoles, como son el caso de Picasso, Miró, Juan Gris… Repito, no es sólo una valoración personal, sino que hay muchas opiniones de críticos e historiadores del arte, que convergen en ellos.

En el Año Dalí, ¿crees que su enorme éxito popular es totalmente merecido? ¿Es también Dalí un pintor genial?
Naturalmente. Dalí tuvo un gran éxito popular, y el éxito popular es siempre merecido en Dalí y en cualquiera. Que ese éxito popular implique que se sea bueno; eso es otro problema.
A mí Dalí siempre me ha parecido un artista muy interesante. Junto con Miró, en los años 20, configura lo mejor del surrealismo español.
La aportación decisiva de Dalí a la vanguardia española, al surrealismo de los años treinta, está en su método paranoico-crítico y en el retorno a la pintura figurativa.
Dalí pretendía mostrar el carácter ambiguo de la realidad, donde el inconsciente está presente para hacer de la realidad algo fantástico, lleno de amenazas y de ilusiones.

Y, por contra, ¿piensa que algún artista español no ha sido suficientemente valorado?
No sé muy bien qué se puede entender por “no valorado”, tal vez, supongo, que no haya tenido el suficiente éxito de ventas y crítica. En ese sentido, hay no uno sino muchos que no han sido valorados en vida suficientemente. Pero estos son conceptos que tienen mucho que ver con las modas y las épocas. Al Greco, por ejemplo, no se le reconoce hasta el siglo XX. Es normal que los artistas sufran los procesos del gusto y la sociedad, como todo lo demás. Esto son factores que no se pueden controlar. Vermeer, otro ejemplo, es hoy considerado uno de los más grandes pintores -valoración que se inicia a finales del siglo XIX-; pero, en cambio, en su época, a mediados del siglo XVII, sólo fue conocido en su pequeña localidad de Delft.

La Guerra Civil española y el posterior franquismo marcó el exilio de grandes artistas, ¿también la incapacitó para la inexistencia de vanguardias?
Por lo pronto, durante la Guerra Civil española murieron varios artistas. Después llegaría el exilio tanto exterior como interior. El miedo también incapacitó a muchos para manifestarse plenamente. Fue un trauma que afectó al arte y a toda la sociedad. En los años 40, España estaba aislada internacionalmente y el ambiente cultural fue devastador. El arte y la cultura, en general, sobrevivieron con mucha dificultad.
Aunque, el arte no siempre está relacionado con la libertad o el bienestar; a veces, se desarrolla en situaciones muy extremas.

¿Es el eclecticismo lo que define el arte actual?

El arte actual -acabadas las vanguardias e iniciado el postmodernismo- se define, hoy en día, por la globalización. Hoy en día, al público le divierte lo que antes le producía ansiedad o temor. La sociedad se ha modernizado. El arte moderno se ha convertido en un consumo masivo y general, uniforme.
Ya no se dan ni pautas, ni movimientos definitorios, ni concretos en lugares determinados.
Hoy, sobre todo, existe una gran inversión en Museos -que se están convirtiendo en plataformas de espectáculos culturales- y una globalización que hace que el arte de todo el mundo esté sintonizado. Ya no existe, por lo mismo, ningún centro emisor de vanguardias como pudo ser París o Nueva York; como ocurría hace sólo medio siglo.

Como Catedrático de Historia del Arte, ¿tenemos un buen nivel en la Universidad, tanto de formación como de alumnado?
Desde que yo estudié, la Universidad ha cambiado muchísimo. La masificación ha hecho que la formación del alumnado sea muy distinta.
Los estudiantes actuales llegan a la Universidad con una formación no sólo sobre arte sino sobre humanidades muy escasa, con un nivel muy bajo, porque las humanidades están maltratadas en las Enseñanzas Primaria y Secundaria.

¿Crees que lo que incapacita a algunas personas a aceptar el arte abstracto es su obsesión por apreciar una obra artística basándose en el tema?
Sí, pero esa percepción se producía hacia 1920; entonces la gente pensaba que el arte era una representación y, cuando veían que no pasaba nada en el cuadro, se quedaban perplejos, no lo entendían. Algo así ocurrió cuando vieron el cuadro de Van Gogh, La habitación de Vincent en Arlés, y se preguntaron qué podría significar la silla de enea, porque para el público de entonces, el arte tenía que explicar algo.
Pero, actualmente, eso ya no se da. El público, en general, comprende perfectamente la pintura abstracta y su sentido. De hecho, hay numerosas exposiciones de artistas abstractos que tienen un gran éxito. Es más, a la inmensa mayoría le interesa especialmente el arte contemporáneo.

¿Ha conseguido el cine ser un verdadero arte por méritos propios? ¿Cuál es la relación del cine y la pintura?
Sí, el cine siempre ha tenido la categoría de arte, desde que nació; eso es algo que yo no he dudado nunca, aunque se haya hecho también mucha basura.
Respecto a la relación de cine y pintura siempre han sido dos artes que han estado íntimamente unidas; más que con la fotografía, la literatura o la arquitectura.

Creaste en 1988 la Base de Datos de Arte Español y Contemporáneo ARCO-DATA, ¿cuáles son sus objetivos? ¿Qué se ha conseguido?

Dirigí ARCO-DATA hasta 1994. El principal objetivo era crear una gran base de datos del arte contemporáneo que en soporte digital estuviera actualizándose constantemente. Creo que esa es una gran labor, muy importante para investigadores y público en general.

¿Merece España estar en las grandes Bienales? ¿Existe una buena hornada de artistas jóvenes?
Naturalmente. Todos los Gobiernos de todos los países mandan artistas a las principales bienales. Todo el mundo está representado, y España suele tener muy buenos jóvenes artistas en ellas.

¿Vamos hacia un arte cada vez más efímero?

Yo creo que el arte ha sido siempre efímero. No tiene la posibilidad de durar. La gran mayoría de los artistas del pasado no han sobrevivido y, de los que lo han hecho, sólo nos queda una parte minoritaria de su obra.
Todo es efímero, empezando por el ser humano.